UNA TARDE CON... COLLEEN QUINTON

Colleen, en "Arrival" trabajaste bajo la dirección de Denis Villeneuve en una película donde la atmósfera es clave. ¿Cómo diseñaste un maquillaje que fuera casi imperceptible pero que lograra transmitir la carga emocional y el agotamiento de los personajes?

- Colleen: En "Arrival", trabajar con Denis Villeneuve significó adoptar plenamente la sutileza; él quería que todo se sintiera fundamentado, íntimo y emocionalmente real. El diseño de maquillaje siguió esa misma filosofía: si la audiencia lo notaba, ya era demasiado.

Creo que a medida que avanzábamos en la película, el objetivo era reflejar una fatiga psicológica en lugar de crear un maquillaje de "cansancio" obvio, por lo que nos centramos en microdetalles que pudieran ayudar a contar la historia.

Capas transparentes para dejar que la piel natural se viera a través, ligeras irregularidades que ayudaran a vender el realismo utilizando colores muy apagados para que coincidieran con la paleta fría y atmosférica de la película. Los colores se atenuaron en labios y mejillas para sugerir una energía ligeramente agotada y un sombreado sutil bajo los ojos sugería la falta de sueño. Nada estaba demasiado "dibujado" o era obvio. Aquí los actores contaron la historia junto al Director, y el maquillaje fue realmente solo un telón de fondo para ayudar a contar esa historia. Colaborar con el Director de Fotografía y observar de cerca qué tipo de atmósfera de iluminación están creando es realmente importante aquí, ya que te ayuda a definir el mundo en el que viven estas personas y te da una paleta de colores global para la producción.

Este fue definitivamente un caso de "menos es más" y, al final, se trató más de despojar las cosas hasta que lo que quedara apoyara la actuación sin distraer nunca de ella.

En contraste, "Transformers: Rise of the Beasts" es una superproducción de escala masiva. ¿Cómo se organiza un departamento de maquillaje para que el look de los actores humanos mantenga la coherencia visual frente a los impresionantes efectos digitales de la franquicia?

- Colleen: En una película como "Transformers", el desafío cambia por completo respecto a algo como "Arrival". En lugar de invisibilidad, tienes que diseñar personajes dentro de un mundo visual altamente controlado y lleno de efectos. Cada rostro humano tiene que estar al lado de personajes de CGI a gran escala y elementos explosivos. En realidad, al principio me confundió un poco cuando leí el guion, ya que nunca antes había visto una película de Transformers, así que tuve que volver atrás y ver al menos tres de ellas para ver cómo interactuaban los actores con los Transformers.

Como diseñadora de maquillaje, definitivamente tienes que fijarte en el elemento de VFX que está ocurriendo en un proyecto como este e intentar que parezca que los actores están realmente allí con los Transformers.

El mundo del CGI es interesante para los departamentos de maquillaje y, definitivamente, para los actores, ya que todos trabajamos con cosas que no podemos ver. Se añadirán más tarde en la posproducción, pero mientras rodamos, existen... invisiblemente... así que lo que añades a los actores en términos de suciedad, sudor, mugre o sangre debe coordinarse con el mundo en el que están los actores y cómo el Transformer está interactuando con ellos. Finalmente, a medida que empecé a entender ese mundo, traté al Transformer como a otro personaje más de la producción y creé looks que seguían la línea argumental de lo que les estaba ocurriendo a los actores.

Trabajar en un proyecto que depende en gran medida de los VFX siempre es interesante porque compartimos estrechamente con los equipos de VFX. Se comparten fotos, notas y a menudo referencias en 3D entre los dos departamentos, y frecuentemente usamos puntos de rastreo (tracker dots) en las caras de los actores para que puedan hacer reemplazos de rostro en ciertas escenas y mejorar o replicar con precisión el maquillaje físico digitalmente si es necesario. Además, tienes que fijarte en las escenas de acción de Previs (previsualización), que son animadas y algo así como storyboards, lo cual te ayuda a visualizar dónde están los actores y los Transformers en las escenas y cuál será la acción el día del rodaje.

Para este proyecto trabajamos en Montreal y en Perú, principalmente en Machu Picchu y luego en la ciudad inca de Cuzco y también en la selva amazónica. Estas localizaciones presentaron sus desafíos particulares, como trabajar con una humedad sofocante en la selva o luchar contra el mal de altura mientras estábamos en las montañas, pero todo es parte del proceso y la experiencia, y los equipos de rodaje experimentados están muy acostumbrados a trabajar en condiciones así. Contamos con el apoyo de un equipo peruano de maquillaje y peluquería muy grande que fue absolutamente fantástico en su trabajo. Fue un verdadero honor poder subir a Machu Picchu todos los días y trabajar en un lugar sagrado.

Fuiste la maquilladora personal de Sigourney Weaver en "My Salinger Year". ¿Cómo es el proceso de colaboración con una actriz tan icónica a la hora de proponer un look que defina a su personaje de manera única?

- Colleen: Trabajar con alguien como Sigourney Weaver se trata menos de "imponer un look" y más de construir uno juntos desde adentro hacia afuera. Ella es profundamente reflexiva sobre el personaje, por lo que el proceso siempre comienza con una conversación, como ocurre con la mayoría de los actores, no con los pinceles de maquillaje.

En primer lugar, probablemente nos sentaríamos a hablar sobre la psicología, la historia y el entorno del personaje. Sigourney aporta una comprensión fuerte e intuitiva de quién es la persona, así que probablemente le haría preguntas como: ¿Qué le importa? ¿Cuánto tiempo dedica a sí misma? ¿Qué ha vivido este personaje y qué podemos retratar a través del maquillaje? Esas preguntas guían todo, desde la textura de la piel hasta qué tan pulido (o desecho) debe sentirse el maquillaje en cualquier proyecto. Luego traducimos eso a un lenguaje visual.

Con Sigourney se convierte en un diálogo y lo que es único es cuánto papel juega a menudo la moderación en las aplicaciones de maquillaje. Sigourney no necesita una transformación pesada para ser convincente en cualquier papel y, a veces, la elección definitiva es lo que dejas fuera, frente a lo que pones.

Sigourney está muy presente en el proceso, supervisando, pero también confiando en el equipo. Si algo cambia emocionalmente en una escena, adaptaríamos sutilmente el maquillaje para apoyar el arco, por lo que la conversación sobre el maquillaje es continua durante todo el proyecto. Siempre es un honor estar ante actores que tienen tanta presencia y ayudar a diseñar el aspecto del personaje que el actor está interpretando.

En "Pawn Sacrifice", trabajaste estrechamente con Tobey Maguire. ¿Qué importancia tiene para un actor el tiempo que pasa en tu silla de maquillaje para terminar de "entrar" en el personaje antes de que comience el rodaje?

- Colleen: El tiempo en la silla de maquillaje es a menudo el primero, y puede ser el último, momento ininterrumpido del día donde el actor puede llegar plenamente al papel. El set es ajetreado, los horarios siempre son ajustados, pero el tráiler de maquillaje debe crear una especie de quietud controlada donde haya calma y los actores puedan repasar líneas, tomar un café o un té y pensar en su día por delante y, básicamente, estar en un espacio seguro. Intentamos mantener la sala de maquillaje lo más tranquila y agradable posible, especialmente para esas convocatorias temprano en la mañana.

Para alguien como Tobey, que aborda los papeles con mucho enfoque interno, ese espacio tranquilo por la mañana le permite instalarse en un papel como Bobby Fischer en Pawn Sacrifice mientras pasamos por el proceso de maquillaje.

La transformación física, incluso cuando es sutil como en esta película, juega un papel psicológico desde el momento en que un actor comienza a ver al personaje reflejado, ya sea con un tono de piel diferente, añadiendo luz y sombra para dar a la cara una forma diferente, o también usando lentes de color como hicimos en esta película para cambiar sus icónicos ojos azules a un verde oscuro. Este tipo de detalles y elecciones sutiles del personaje son lo que me gusta llamar "maquillaje subconsciente"... donde se realizan cambios para acercarse al personaje que el actor está interpretando, pero nunca son vistos realmente por la audiencia.

Así que, básicamente, el tiempo en sí no se trata solo de duración, también se trata de intención. Veinte minutos concentrados y fundamentados pueden ser más poderosos que una hora de trabajo apresurado. Cuando se hace bien, el actor no sale de la silla pensando en absoluto en el maquillaje; sale ya a medio camino dentro del personaje. A medida que pasas por el proceso de maquillaje con ellos, puedes verlos realmente instalándose en el personaje mientras aún están sentados en la silla de maquillaje. Eso es algo que realmente me encanta ver suceder durante el proceso.

"My Salinger Year" by Philippe Falardeau /Sigourney Weaver ©Micro_Scope

"The Pillars of the Earth" es un referente del drama histórico. ¿Cómo abordaste el maquillaje de personajes para que se sintieran auténticos al siglo XII pero visualmente atractivos para el espectador contemporáneo?

- Colleen: "Pillars of the Earth" es uno de los proyectos más desafiantes pero también uno de los más hermosos en los que he trabajado, ya que es uno de los libros más leídos y queridos jamás publicados. El desafío para mí fue honrar la realidad del siglo XII sin crear una barrera para una audiencia moderna y también tratar de interpretar, leyendo el guión y el libro, qué podrían estar esperando ver en los personajes en la pantalla los miembros de la audiencia que lo habían leído.

El proceso comenzó con una profunda investigación en retratos medievales, iconografía religiosa y relatos escritos de cómo habría sido la vida cotidiana en la época. La investigación en línea es importante y valiosa para hacer este tipo de espectáculos, pero también es interesante mirar libros e incluso ir a un museo a ver pinturas de esa época en particular.

Otro desafío fue que en esta historia teníamos unos 15 personajes que envejecían hasta 30 años, por lo que tuvimos que crear gráficos y cronologías a los que hacíamos referencia constantemente en la sala de maquillaje para mantener a todos en su edad correcta. Poder hacer que la gente parezca más joven, o mayor, entendiendo la morfología, cómo funcionan la luz y la sombra y cómo se mueve un rostro en particular es esencial para poder crear estos personajes con diferentes edades. Fue verdaderamente fascinante mirar los rostros y añadir los detalles para que todos parecieran que vivían en esa época. El color juega un papel silencioso pero importante. Aunque el maquillaje era mínimo, los subtonos y detalles se ajustaron para reflejar la dieta, el estilo de vida, el estatus social y el entorno. Estos son detalles que la audiencia no nota conscientemente, pero los siente.

La nobleza se vería diferente a, por ejemplo, los trabajadores o los líderes religiosos de la época. Me encanta trabajar cada pequeño detalle en los maquillajes en este tipo de proyectos. Los rostros, las uñas, las manos y el vello facial cuentan la historia de quién es el personaje. Se necesita una colaboración enorme con el departamento de vestuario, el director de fotografía y el departamento de peluquería, ya que todos trabajamos juntos para lograr el mismo aspecto para el personaje y para el proyecto. El objetivo es hacer el trabajo y que la audiencia entre en el mundo de la serie sin cuestionarlo.

Has trabajado en series de gran impacto como "The Recruit" y "Jack Ryan". ¿Cuál es tu estrategia para mantener la continuidad estética y la calidad del departamento durante rodajes internacionales tan largos y dinámicos?

- Colleen: En series como "The Recruit" o "Tom Clancy’s Jack Ryan", o cualquier otra televisión o película para el caso, la continuidad no es solo un requisito técnico: es una disciplina de narración. Estas producciones se mueven rápido, saltan a través de líneas temporales y localizaciones, a veces incluso países, y casi siempre se ruedan fuera de secuencia a como la audiencia ve la serie, por lo que la estrategia para mantener los looks y la continuidad, especialmente con heridas o maquillajes especiales, debe ser meticulosa.

Construimos una biblia de continuidad que seguimos religiosamente cada día y soy un poco de la vieja escuela en eso donde, aunque ahora todo es digital y sí ingresamos todos nuestros looks en un sistema digital, siempre tengo un plan de rodaje en papel y también un desglose de continuidad en papel en el que, una vez que he leído el guion, ingreso todas mis notas en las escenas a mano. Cuando llego cada mañana, escaneo las escenas que se van a rodar durante ese día y compruebo mis notas para estar segura de que a nadie en el departamento de maquillaje le falta nada. También tomo el plan de rodaje e ingreso las notas de mi continuidad en él para poder mirar hacia adelante y saber qué viene, para no sorprenderme por nada o no estar preparada para todo.

Cada personaje en cualquier serie tiene una documentación visual detallada: fotos, notas sobre los productos utilizados, cuidado de la piel, gráficos de maquillaje y también solemos mantener sus bolsas de maquillaje intactas con su número de reparto y productos de maquillaje guardados dentro para no tener que buscar nada cuando ese artista en particular entra en el tráiler.

Cada maquillador en el tráiler debe ejecutar con el mismo ojo y tener la comprensión de por qué existe un cierto look. De esa manera, si algo cambia repentinamente en el set, el equipo puede adaptarse y reaccionar sin romper la continuidad.

Una de las cosas más importantes a tener en cuenta cuando se rueda una serie de televisión larga o una película es la durabilidad. Estas producciones implican días largos, escenas físicas donde el maquillaje cambia constantemente y reajustes donde tendríamos que volver a montarlo todo en pocos minutos. Todo tiene que aguantar bajo el calor, el sudor, a veces temperaturas gélidas y cámaras de alta definición, mientras sigue luciendo como quieres que luzca. El equipo de maquillaje estará luchando constantemente contra los elementos durante la producción para mantener los looks donde deben estar.

"Chaos Walking" by Doug Liman / Mads Mikkelsen ©Lionsgate

Muchos maquilladores jóvenes aspiran a ser Department Heads. Basándote en tu experiencia liderando equipos en proyectos como "Chaos Walking" o "The Walk", ¿cuál es la lección de liderazgo más valiosa que has aprendido?

- Colleen: Encabezar grandes películas como "Chaos Walking", "The Walk" o "Arrival" y realmente cualquier otro proyecto me ha enseñado sin duda que la lección de liderazgo más valiosa es que solo soy tan buena como mi equipo. El trabajo no es necesariamente ser el mejor artista en la sala, sino crear un entorno en el tráiler de maquillaje y en el set donde todo el equipo pueda realizar su mejor trabajo de manera constante bajo presión y también sentir que su aportación a los personajes es valorada y apreciada. Siempre intentaré rodearme del mejor equipo posible y también estar abierta al hecho de que cada miembro del equipo tiene algo valioso que aportar. De esta manera, todos pueden florecer y realizar su mejor trabajo. Cada persona en el departamento de maquillaje es un artista por derecho propio, por lo que las conversaciones y la interpretación del personaje con los miembros de tu equipo son esenciales para el proceso.

Un Jefe de Departamento fuerte debe interactuar con su equipo, sus productores y directores y, por supuesto, los actores. Eso siempre empieza y termina con claridad: estándares claros, comunicación clara y expectativas claras. Cuando todos entienden el lenguaje visual del proyecto y su papel en él, el trabajo se vuelve fluido incluso en los días más exigentes. A la gente le gusta trabajar en un buen ambiente y realmente odio ver que los egos se interpongan en eso. La gente responde a la confianza. No puedes hacerlo solo, por lo que es esencial invertir tiempo al principio del proyecto para que todos los miembros del equipo de maquillaje estén en la misma página. De esa manera, cuando delegas, puedes realmente soltar y saber que todos están trabajando con la misma visión. Cuando los seres humanos sienten propiedad, la calidad del trabajo mejora en todos los ámbitos. El trabajo en equipo hace que el sueño funcione, como dicen.

Has trabajado con directores de estilos muy diferentes, desde el realismo de "19-2" hasta la visión artística de Xavier Dolan en "Laurence Anyways". ¿Cómo entrena un maquillador su ojo para adaptarse rápidamente a visiones tan opuestas?

- Colleen: Esto llega realmente al corazón de lo que hace a un maquillador fuerte. Adaptarse entre algo fundamentado y naturalista como "19-2" y el mundo audaz y estilizado de "Laurence Anyways" se trata menos de cambiar habilidades y más de entrenar la percepción y la interpretación. Es importante leer el lenguaje del director, ya que cada director se comunica visualmente, incluso cuando no están usando términos técnicos, que sería en el mundo del maquillaje. Alguien como Xavier Dolan podría hablar en términos de emoción, color o simbolismo, mientras que un director en una serie de televisión como 19-2 podría enfatizar la autenticidad e invisibilidad. Todo empieza realmente con el guion y la visión del director. Luego incorporamos también las visiones de los actores. Entrenas tu ojo escuchando cuidadosamente e interpretando esas ideas abstractas en elecciones concretas en el rostro: texturas de piel, paletas de colores e intensidad.

Los maquilladores construyen una biblioteca visual con el tiempo, ya sea de proyectos anteriores en los que han trabajado, películas, fotos, pinturas o moda. Para el realismo observas la piel real bajo diferentes técnicas de iluminación, mientras que para algo más estilizado podrías tirar de la historia del arte, looks de pasarela o historias de la vida real. Cuantas más referencias absorbas en tu carrera, más rápido podrás cambiar de marcha e interpretar el lenguaje del proyecto.

Una serie de policías cruda como 19-2 a menudo utiliza una iluminación dura o práctica disponible, por lo que el maquillaje debe ser sutil y realmente casi inexistente, mientras que en algo como Laurence Anyways, la iluminación y el color son expresivos y el maquillaje se convierte en parte de la narración del personaje.

El realismo se trata de saber cuándo parar. La estilización se trata de saber hasta dónde puedes empujar. En última instancia, esta habilidad proviene de realizar el trabajo a través de diferentes proyectos y aprender de cada uno. No hay dos proyectos iguales y eso es lo que lo mantiene interesante. Entrenar tu ojo para adaptarte a diferentes líneas argumentales se trata de volverse visualmente bilingüe: aprendes a hablar tanto el "realismo invisible" como el "arte realzado" y cambias entre ellos dependiendo de la historia que se esté contando.

"The Last Frontier" by Jon Bokenkamp & Richard D´Ovidio / Jason Clarke ©AppleTV

Tras una carrera llena de éxitos y con proyectos actuales como "The Last Frontier", ¿qué es lo que todavía te apasiona de este oficio y qué consejo le darías a alguien que está limpiando sus primeras esponjas hoy mismo?

- Colleen: Siento y siempre he sentido que es un privilegio poder contar historias a través de la lente del maquillaje que millones de personas pueden ver y disfrutar. La narración de historias ha existido probablemente desde que existen los seres humanos. Me encanta la historia, siempre me han gustado las historias desde que era niña y ahora puedo interpretar historias, no a través de libros sino a través del maquillaje en la pantalla. Ha sido un regalo en mi vida poder hacer eso.

Creo que lo que lo mantiene emocionante es que cada historia es diferente, por lo que nunca "llegas" realmente a dominar este oficio y el aprendizaje nunca termina. Cada rostro es diferente, cada director ve el mundo de manera diferente, el tema de la historia siempre es diferente y solemos cambiar de ubicación muy, muy a menudo, por lo que el lugar donde trabajamos nunca se vuelve aburrido. También he tenido el placer de viajar por el mundo con diferentes proyectos y me encanta trabajar con equipos locales. ¡Aprendo algo nuevo cada vez!

Incluso después de años de experiencia, todavía estamos resolviendo problemas en tiempo real —bajo presión, bajo diferentes situaciones de iluminación y personalidades y emociones mezcladas—. Ser capaz de navegar todo esto es clave para el éxito. Creo que, de hecho, ese tipo de tener que "pensar rápido sobre la marcha" es ligeramente adictivo y mantiene tu cerebro y tu cuerpo en movimiento todo el tiempo.

Estar en proyectos como "The Last Frontier" trae sus propios desafíos específicos y demandas narrativas. Estábamos lidiando con un clima extremo en el frío, por lo que trabajar codo con codo con los actores los mantiene con el aspecto que deberían tener en ese tipo de temperaturas. Decidir dónde poner escarcha y nieve para lograr un cierto nivel de frialdad siempre es interesante, ya que puedes excederte, pero debes hacer que la audiencia crea que se están congelando. Siempre hay algo que resolver en cualquier set y eso mantiene el trabajo vivo. Nunca se vuelve mecánico si mantienes la curiosidad.

Creo que la curiosidad es clave para ser creativo... ¿y si hacemos esto? ¿Y si hacemos aquello? Cuestionamiento constante sobre cómo hacerlo mejor o más realista.

Creo que lo que realmente ayuda a mantenerme en el negocio no es solo poder crear diferentes looks y ser parte de diferentes historias, sino también la conexión humana en la industria del cine y la televisión. Ser parte de la transformación del actor para ayudarlo a entrar en el personaje silenciosamente detrás de escena es increíblemente significativo. Desarrollar la camaradería con los miembros del equipo es enriquecedor e interesante y pasar tiempo con otros miembros del equipo de diferentes partes del mundo es verdaderamente un regalo, ya que llegas a ver ese país bajo una luz más verdadera.

Para alguien que acaba de empezar, sugeriría que intentes entrar en un equipo con un Jefe de Departamento, incluso si al principio es solo trabajando con los artistas de fondo (extras). Esto entrena tu mano y tu ojo y te permite aprender la etiqueta del set mientras estás protegido por tu HOD. La consistencia vence a los destellos de brillantez. Si la gente sabe que eres tranquilo, estás preparado y eres adaptable, seguirás trabajando. Aunque a veces el maquillador que trabaja en el fondo pueda pensar que el HOD no está observando su trabajo mientras nos movemos por un set de posiblemente 25 maquilladores de extras, créeme cuando te digo que lo estamos haciendo.

Lo vemos todo... cada maquillaje en el set y cómo esos maquilladores individuales están trabajando. Eventualmente, la esperanza sería que estos maquilladores puedan pasar al tráiler principal de maquillaje y empezar a trabajar con actores de día o actores principales. En este negocio, aprender el oficio por completo antes de asumir el papel de Jefe de Departamento es primordial para tu éxito... Estás más seguro y es mejor ascender lentamente a esa posición mientras aprendes de tu Jefe de Departamento con el que estás trabajando.

Recibirás comentarios y es importante integrarlos. Los maquilladores que crecerán son los que escuchan, experimentan y ajustan sin tomárselo como algo personal.

Es un negocio de mucha presión y siempre digo, nunca olvides que se llama NEGOCIO del cine... condúcete como lo harías en cualquier otro negocio... en la superficie parece un lugar muy social, y puede serlo, pero no te equivoques pensando que es solo eso. Es mortalmente serio. Empecé mi carrera haciendo cualquier cosa que pudiera... producciones con muy poco dinero, pero me aseguré de responder a todas las llamadas y salir ahí fuera para practicar mi oficio. No hay proyectos pequeños. Todos son un lugar para practicar tu enfoque y tus habilidades de maquillaje. Haz todo lo posible para abrirte camino y llegará. Como llegó para mí.

Este es un oficio creativo y práctico, y llegas a hacer cosas con tus manos y tu ojo que ayudan a contar una historia. Si te aferras a eso, la emoción de hacer películas y series de televisión nunca desaparece. Para mí, se profundiza con los años que vienen.

Mis mejores deseos para todos en vuestra carrera.

"Tom Clancy´s Jack Ryan" by Carlton Cuse & Graham Roland / John Krasinski and Wendell Pierce Photo: Jan Thijs ©Potomac River Productions Inc

Conversar con Colleen Quinton es mucho más que repasar una filmografía envidiable; es asistir a una cátedra abierta sobre el respeto sagrado por el cine y la mística de nuestro oficio. Su trayectoria nos recuerda que no existen proyectos pequeños, sino visiones que se expanden a través de la precisión técnica y la empatía humana. Para las nuevas generaciones de artistas, Colleen es el ejemplo vivo de que la verdadera excelencia no se encuentra en el artificio, sino en la capacidad de volverse invisible para dejar que la historia respire.

Gracias, Colleen, por tu generosidad al compartir tu visión y por recordarnos que cada rostro es un mapa de emociones que solo un artista con tu sensibilidad sabe descifrar.

Tu legado es un faro de integridad para todos los que hoy deciden tomar un pincel y soñar con crear mundos que trasciendan la pantalla. Ha sido un honor recorrer tu carrera y estamos ansiosos por dejarnos cautivar de nuevo por tu maestría en este 2026. 

Te invitamos a seguir explorando el impecable trabajo de Colleen en sus proyectos a través de sus redes sociales instagram e Imdb.

Nos vemos en el próximo rodaje Makeup Artist.